Historia gitary klasycznej

03 May 7:51 am


Original: http://www.classicalguitarmidi.com/history/guitar_history.html

Starożytnego Bliskiego Wschodu

Uważa się, że historia z gitarą rozpoczął w starożytnym Bliskim Wschodzie. Tam archeolodzy znaleziono dokumenty i oświadczenia z nich, które służyły jako punkty orientacyjne lub drogowskazy w stosunkowo nieznane terytorium gitary początku.

Wśród artefaktów wydobytych z Babilonii, najbardziej istotne były tablice gliniane datowane (1900-1800 pne). Te wykazały, nagie postacie do gry na instrumentach muzycznych, z których część pokrywa ogólne podobieństwo do gitary. Lektura dokumentu na tablicy pokazuje, że aby mieć wyraźnie zróżnicowane ciało i szyję. Jego powrót jest niewątpliwie płaski; sposób w jaki spoczywa na piersi księdza wyklucza możliwość jego bycia w kształcie misy. Jest oczywiste, że prawa ręka zrywać struny. Liczba strun nie jest niestety oczywiste, ale na innej tablicy, co najmniej dwa ciągi są pokazane na instrumencie. Dowody gitary instrumentów podobnego odnotowano w Asyrii, Susa (starożytny północ miasta Zatoki Perskiej: stolica imperium perskiego) i Luristan.

Egipt i Rzym

W pierwszych dniach, tylko oskubane instrument strunowy w Egipcie był łuk w kształcie harfy. Później szyjką instrumentu starannie oznaczonych progów, prawdopodobnie wykonane z jelit, rany na szyi. Ostatecznie niektóre z cech i właściwości łączyłyby w późniejszym instrumentu, jeden byłby poprzednik, nie tylko na gitarze, ale wszystkich szyjką instrumentów smyczkowych, jak oskubane i skłonił się. Dalsze zmiany dokonane instrument ten jeszcze bardziej podobna w formie do gitary.

Instrument z okresu rzymskiego (30 rpne – 400 rne) jest wykonany w całości z drewna. Rezonansowa rawhide otrzymuje z drewna, na którym pięć grup małych otworów dźwiękowych są widoczne. Ten arrangment utrzymywała się do 16 wieku. Na instrument znalazł się w koptyjskiej grobie w Egipcie, krzywe wzdłuż boków są już dość głębokie i podstawowy kształt gitary jest oczywiste. Powrót stała całkowicie płaska, a nie jest zakrzywione do góry, aby sprostać pudła, te dwie powierzchnie są teraz połączone ze sobą przez paski z drewna, które tworzą boki z pudłem rezonansowym. Cechy te pozostają do dnia dzisiejszego.

Średniowieczna Europa

Pierwszy znany europejski instrument strunowy, które mogą mieć swoje korzenie tutaj sięga do trzeciego egzaminu wne trzeciego dokumentu wieku pokazuje, że aby mieć okrągłą Soundbox która zwęża się do szerokiej szyi. Ten rodzaj instrumentu nadal w użyciu dla wielu years.There jest opis również instrumentów pochodzących z czasów dynastii Karolingów, które mogą być albo francuski lub niemiecki.

Carolingian instrumentem jest prostokątny, approximatively równa długości do jej szyi, górny koniec jest szerszy zaokrąglony obszar zawierający małe kołki do zamocowania łańcuchów. W niektórych ilustracjach, te kołki wydają się być cztery, na innych, pięć. Łańcuchy są z odpowiedniej liczby i wyrwany na dwa sposoby: albo z kostką lub palcami. Carolingian instrumentem zachował formę aż do 14 wieku.

W tym samym czasie inny przyrząd zaczął współistnieją z karolińskim typu. Zmiana ta wpłynęła na Soundbox tego instrumentu, jego proste boki teraz ustępując niewielkich łukach. Przedstawiciele tego nowego instrumentu można znaleźć w wielu angielskich katedr. Wizerunki instrumentów w kształcie gitary stwierdzono w katedrach francuskich i hiszpańskich przed wieku fourtheen.

Guitarra Latina i Guitarra Morisca

Nie było rozróżnienia między Guitarra Latina i Guitarra Morisca. Ta ostatnia została wniesiona przez Maurów, stąd jego nazwa. Jego soundbox był owalny i miał wiele dziur na jego płyty rezonansowej dźwięku. Arabowie, przechodząc przez Egipt na drodze do zakończenia wielkiego muzułmańskiego podboju Afryki Północnej i Hiszpanii, może dobrze przekazywane kardynalnych cech tego projektu do twórców instrumentów Europy Zachodniej. Jest również możliwe, że pierwsze hiszpańskie gitary były europejski rozwój. Pewne jest tylko, że Arabski wpływy w Hiszpanii przygotowali grunt na nadejście gitarze.

Guitarra Latina jednak nie mają zakrzywione boki i sądzono, że się do Hiszpanii z innego kraju europejskiego. To właśnie ten typ, który bez wątpienia rozwinął się w nowoczesnej gitary.

Popularność osiągnięte przez gitary może być nadana nomadyjskie z trubadurów. Gitara mogła przybył w Hiszpanii z Prowansji drodze Katalonii. Po tym, gitara mógł podszedł do Hiszpanii w ręce hiszpańskich wędrownych trubadurów. Te trubadurów w średniowiecznej Europie, którego nieustanne podróże i występy, wzbogacony kultura muzyczna w ogóle i dał wielki impuls do rozprzestrzeniania się gitary na kontynencie.

XVI w.

Aż do średniowiecza, istotne informacje na gitarze i jego rodu musiała być pobierane z malarstwa, rzeźby, płaskorzeźby. Częste stosowanie dowodów pośrednich jest nieuniknione.

Począwszy od XVI wieku, jednak znaleźć znacznie więcej bezpośrednich dowodów w postaci instrumentów, które istnieją do dnia dzisiejszego. XVI-wieczne Gitary opisane są jako Vihuela od czasu Luis Milan, gitara Rizzio z Francji, chitarra battente z Italia.

Vihuela

Od Hiszpanii, wystąpił inny instrument: Vihuela (patrz Rys.1-2).. Początkowo Vihuela wiązało do małego cztery lub pięć ciąg Guitarra. W tym samym czasie, w XVI wieku nastąpił lutnia (rys. 3) pojawiają się jako ulubionego instrumentu arystokracji w prawie całej Europie. Hiszpania była chlubnym wyjątkiem. W tym kraju, lutnia stała związana z Maurami i ich rządów ucisku. Hiszpanie nie łatwo się do instrumentu. Oni jednak docenić muzykę, która została napisana dla niej, stąd poszukiwanie środków, dzięki którym muzyka mogłaby być wykonywane na instrumencie innym niż lutni. Arystokratów zwrócił się do popularnej Guitarra z czterech strun podwójnych. Jednak tylko cztery gitary struny nie mają zasoby wystarczające do spełnienia wymogów złożonym, muzyki polifonicznej. Ponadto szlachta Hiszpanii były pogardą na gitarze, jak to było wtedy instrumentem ludu. Aby rozwiązać te problemy, cztery-string guitar powiększono i dał sześć podwójnych strun, zwrócił się w ten sam sposób jak obecnie sześć-strunowej gitary, z wyjątkiem trzeciego ciągu, okazało się pół tonu niżej. Był to instrument, który stał się znany po prostu jako Vihuela.

W swojej ostatecznej postaci, Vihuela była gitara z sześciu podwójnych strun wykonanych z jelit. Duża rodzaj Vihuela było jakieś cztery cale dłuższy niż nowoczesnej gitary. Szyi miał dwanaście progi.

Jednym z pierwszych zawodników Vihuela, których publikacje są nam znane został Luis Milan urodził się w 1500. W 1535 roku opublikował książkę, Libro de Musica de Vihuela de Mano Intitulalo “El Maestro”. To był chyba najważniejszy w Mediolanie praca.

Ostatni znany Vihuela jest datowany 1700 i stanowi instrument końcowe etapy rozwoju. Jego progi są metalowe, krzywe wzdłuż boków pogłębiły i dźwięk dziura jest owalny. Popularność tego instrumentu wynika z dużej ilości muzyki nadal obowiązują pisemnej do niego. Muzyka do Vihuela została napisana w tabulatury: w tym systemie, każda linia pracowników stanowi ciąg instrumentu. W tabulatury hiszpańskich i włoskich, top ciąg reprezentuje dolnej linii, podczas gdy w Tabulatury francuskich i angielskich, odwrotna byłaby sprawa. Liczby na linii wskazują progu być zatrzymany na tej particuliar ciąg. Notatki wartości są wskazywane przez różnych typów notatek umieszczonych nad personelem. Są one podobne do naszych dzisiejszych notatek dni.

Pierwszy publicate dzieła hiszpańskiego tabulatury na Vihuela był Luis de Milan w 1535, Luis de Narvaez w 1538, Alonso de Mudarra w 1546.This kolekcji tabulatury zawiera najlepsze instrumentalne kompozycje renesansu. XVI wiek był złoty wiek hiszpański Vihuela muzyki.

Four-string guitar

Cztery-string guitar Egyptian raz pojawiła się w Europie, przeszedł znaczną zmianę w formie. Liczba strun stała zmienna, przechodząc od trzech, czterech i pięciu strun. Jednak cztery-string guitar (rys. 4) pojawił się jako najbardziej popularne pod koniec okresu średniowiecza.

W 15 wieku, terminy Chitarra i chitarino (Włochy), guitarra (Hiszpania), quitare, quinterne (Francja), a gyterne (Anglia), o którym mowa w okrągłym oparciem instrumentu, który później rozwinął się mandolina. Dopiero w 16 wieku było kilka takich warunkach zaczęło być używane dla członków rodziny gitary. [Tyler James, 1997]

Wszystkie z czterech strun były dwukrotnie w większości krajów Europy, z wyjątkiem Włoch, gdzie pierwszym elementem pozostał wolny i strojenie instrumentu włoskiego różni się od standardowego systemu. Zważywszy, że powszechną praktyką było dostroić najniższe kurs w oktawie, z pozostałych trzech każdego dostrojona UNISSON, Włosi tuned dwie najniższe kursy w oktawę, pozostałe double kurs w UNISSON, pierwszy ciąg jest wolny. Oba systemy wykorzystywane do strojenia G, C, E, najczęściej.

W Hiszpanii pojawiły się już dwa główne systemy strojenia na cztery-strunowej gitarze. Pierwsze strojenie było G, D, F #, B. To strojenie było bardziej odpowiednie dla starych ballad i musica golpeada (strummed muzyka), niż do muzyki obecnego czasu. Inne strojenia jest identyczna z regulacją w pierwszych czterech łańcuchów współczesnego gitary.

Pierwsza z hiszpańskich tabulatury zawierać poważne muzykę do czterech strun gitary były te Alonso Mudarra. Zawierał on cztery fantazjach, Pavana i ROMANESCA “Gárdame las Vacas”. Druga praca zawierać cztery gitarę był Miguel de Fuenllana za Orphelina Lyra. Ostatnia praca zawierająca muzykę do tego instrumentu był Juan Carlos Arnat za Guitarra Espanola y Vandola de Cinco Órdenes y de Quatro, w 1586.

Jak te hiszpański tabulatury były publikowane, popularność czterech strun gitary rosła we Francji i Włoszech. We Włoszech zbiór muzyki gitarowej opublikowano w Wenecji pod tytułem Libro de tabolatura de Chitarra, Paolo Virchi. Rosnąca liczba publikacji towarzyszył liczby odnotowanych gitarzystów.

We Francji, skutki drukowania muzyki stał się oczywisty. Od 1551/55, pięć ksiąg tabulatury gitarowe zostały wydane w Paryżu przez Adrian Le Roy i Robert Ballard. Książki te zawierają fantazjach i kawały w tańcu takich jak branles, galliards; muzykę na głos i gitarę: psalmy, chansons. Kompozycje te pochodzą z wielu mistrzów. To daje dowód, że prawdziwa szkoła gry na gitarze istniała we Francji w XVI wieku.

Z Niemiec, mamy nazwę dwóch gitarzystów: Michael Janusch i Michel Mulich.

Musi istnieć bardzo wiele liczbę gitarzystów, w tych krajach, które będą pozostawały anonimowe, którego muzyka nigdy nie dotarł do prasy, jak to było prawie niemożliwe, aby publikować bez królewskiej sankcji.

Five-string guitar

W średniowieczu, współistnienie trzech, czterech i pięciu gitar smyczkowych odnotowano. Do XV wieku, cztery podwójne struny instrumentu celował w popularności. W XVI wieku, to z kolei była stopniowo zastępowana przez pięć gitar podwójnym smyczkowy (rys. 5).

Pierwsze dowody prawdziwego pięć strun gitary jest włoski grawerowanie w XV wieku. Przyrząd, który sam jest co najmniej tak duża, jak jego odpowiednika nowoczesnego, soundbox wydaje się być większe niż te według niniejszego gitary dni. Grzywny konstrukcja zwraca uwagę na doskonałe rzemiosła, dla których włoski Luthiers z tego okresu są znane.

Pięć-strunowa gitara miała pochodną zwaną Chitarra battente (rys. 6). Charakteryzuje się pudłem rezonansowym z których krzywe plecy delikatnie na zewnątrz (rys. 7), zamiast być po prostu płaskie. Ma most z motywami liści na każdym końcu. To przywiązał na progi jelita i lute-jak mostek przyklejony do płyty rezonansowej. Tyłu pudłem rezonansowym jest ozdobiony białymi paskami. Motywy te stały się bardzo popularne w przyszłości. W swoich wcześniejszych dni, chitarra battente był primarly strummed instrumentem. Na początku XVI wieku, stało się oskubane oprócz bycia strummed instrumentem. Popularność Chitarra battente świadczy jego częstego występowania w obrazach.

Sama uwaga na smak do dekoracji odnosi się do francuskiego gitary Rizzio. Jest ozdobiona skorupy żółwia, kość słoniowa, masa perłowa i hebanem.

W Hiszpanii najbardziej kompleksowe prace na pięć strun gitary została opublikowana w 1586 w Barcelonie. Wpisany przez Juana Carlosa Amat, ma punkt na pięć-string do czynienia z nowym sposobem gry i zawiera kilka kompozycji na ten instrument.

Podsumowując: pięć-string guitar Powstało w wyniku rozwoju i transformacji czterech strun gitary. Strojenie pięć strun instrumentu był ADGBE jak na pięciu strunach pierwszych współczesnej gitary. Od strojenie czterech strun gitary był taki sam, jak stosowany w pierwszych czterech strunach nowoczesnej gitary niski ciąg był późniejszym dodatkiem. Pięć-strunowa gitara wyszła z Włoch do jego przyjęcia i rosnącej popularności w całej XVI-wiecznej Europy.

XVII w.

Patronat Europejskiego szlachty przywiózł do gitary, po pierwsze, uznanie, a następnie aktem o niezbędności. Liczba kompozytorów instrumentu wraz z gitarzystów i producentów gitar, wzrosła do rozłożenia proporcji. Doskonalenie metod dokumentacji pozwoliły ich nazwiska i osiągnięcia zejść do nas.

Wiadomo, że król Francji Ludwik XIV sam grał na gitarze i traktować go jako swojego ulubionego instrumentu. Miał za jego jeden nauczyciel z najważniejszych gitarzystów znanych nam francuskich – Robert de Visee (1650/25). Jean Baptiste Lully był wielkim kompozytorem tego czasu. Grał na gitarze i komponował dla instrumentu.

Nazwiska kilku producentów gitar w okresie baroku we Francji zostały zarejestrowane. René Voboam reprezentowane heigh francuskiego budynku rozdzielczej (rys. 8) w XVII wieku. Zrobił guitar dnia 1641. To jest przykład bardziej ozdobne sposób tworzenia wskaźników. Alexandre Voboam i jego syn Jean wykonane również przedstawicielem gitary z XVII wieku.

Wpływy niemieckie

Była znaczna liczba prac zawierających muzykę gitarową opublikowany w XVII-wiecznej Holandii. Prace Isabel van Laughenhove jest reprezentatywna. Ale to było w Niemczech, że urządzenie osiąga swoją największą popularność wśród Europie Północnej. Heinrich Schütz (1585-1672), Samuel Scheidt (1587-1654) i Johann Hermann Schein (1586-1630) były ważne.

Wśród wielu niemieckich gitar wciąż w istnieniu, pierwszy znany niemiecki-made gitara została zbudowana przez Jacobus Stadler w 1624. To typowe gięte, pozbawiony się i wykazuje silne włoskie wpływy. XVII-wieczny guitar zupełnie innego typu została wykonana przez księdza, ojca Jana Apsom. Z tyłu urządzenia znajduje zdobią sceny ukrzyżowania.

Najwybitniejszym ekspres gitara całej Europie był Joachim Tielke w Hamburgu (1641/19). Jego uderzające gitary zostały wykonane i ozdobione materiałów, takich jak kość słoniowa, skorupa żółwia, heban, złoto i srebro, macica perłowa, jaracanda drewna. Wykonanie było niezmiennie najwyższej jakości. Na jednym z nich, boki wykonane są z kości słoniowej z obrazami wygrawerowanymi na nich. Te zdjęcia przedstawiają sceny z Księgi Rodzaju. Jego inne gitary są pokryte Tielke typu dekoracje otaczających sceny mitologiczne, charakterystycznych dla jego dzieło. Ta tendencja do opracowania dekoracji, która przejawia się w instrumentach Tielke reprezentuje heigh niemieckiego rzemiosła, jest porównywalna z mistrzów włoskiego renesansu.

Eastern Europe wpływ

Podobno gitara znalazła drogę do Europy Wschodniej już w połowie XVII wieku. W Czechosłowacji, Czech Luthiers próbował dostosować battente rodzaj gitary. Oprócz pięciu podwójnych strun które chitarra battente pierwotnie mieli, Czech miał inny jeden ciąg, który został użyty do gry w linii melodycznej. Gitary przez Andrees Ott, ekspres do instrumentu z Pragi pokazać wpływ włoskich wpływów.

Polska jest reprezentowana w historii gitary Jakob Kremberg, poeta, wokalista i kompozytor z Warszawy, który napisał muzykę do tego instrumentu. Znaczenie pracy Kremberg leży również w informacji daje nam na strojenie instrumentu: strojenie gitary będzie jeden ton niższe niż strojenie naszego obecnego instrumentu dni.

Hiszpania i Portugalia

Chociaż gitara było mniej popularne w Hiszpanii niż we Włoszech i nie był tak popularny jak Vihuela było w poprzednim wieku, niektóre ważne prace zostały ustalone, a liczba drobnych gitarzystów stał się znany w tym kraju.

Jeden z czołowych gitarzystów hiszpańskich w czasie Francisco Corbera, poświęcił pracy Guitarra Española y sus differencias de SONOS do Filipa IV, króla Hiszpanii 1621/65. Ale najbardziej zauważalną hiszpański gitarzysta z XVII wieku był Gaspar Sanz.

Sanz studiował gitarę we Włoszech, a także organów i teorii muzyki. Stał organistą w kaplicy królewskiej w Neapolu. Po powrocie z Hiszpanii, wydał trzy książki muzyki gitarowej w 1674,1675 i 1697. Książki zawierają rozległe autorki instrukcji improwizacji i wydajność, przy pomocy dwóch metod gry: bicie i wyrywanie. Wierzył, byłego technika była najbardziej odpowiednia dla muzyki tanecznej. Strojenie zwykł był-D-G-B-E.

Oprócz tego, że gitarzysta i organista, Sanz był także utalentowanym kompozytorem. Muzyka samotnie zajmuje dużą część swojej książki. Są także liczne tańce i passacaglias. Wiele z jego dzieł jest w tabulatury, ale istnieje kilka krótkich fragmentów w nowoczesnej notacji.

Kolejnym znaczącym publikacja potem z Sanz pojawiła się w Madrycie w 1677 roku. Została napisana przez Lucas de Ribayaz. Zawiera tańce oparte na melodiach ludowych.

Być może najważniejszym hiszpański kompozytor XVII wieku był Don Francisco Guerau, kapłan i muzyk na dworze Karola II. Jego książka, Poema harmonico compuesto de varias cifres por el temple de la Guitarra Española, opublikowana w 1694, zawiera piętnaście passacaglias i dziesięć tańców różnych typów, w tym i na Pavana Galliard. Wewnątrz książki, daje szereg instrukcji dotyczących tabulatury i ornamentyce oprócz kilku bardzo cennych uwag na temat pozycji rąk i techniki gitarowej, które są interesujące ze względów historycznych i pedagogicznych. Pokazał wykorzystanie Barré i miał wielkie zaniepokojenie z prawej ręce stanowiska i pozycji kciuka lewej ręki. Przyczynił się do rozwoju techniki znacznie zaawansowany.

W Portugalii, monarcha John IV (1603-1656) założył najbardziej obszerną bibliotekę muzyki w XVII wieku w Europie. Jeden z gitarzystów najwybitniejszych Portugalii był Doisi de Velasco. Jego pierwsza książka ukazała się w Neapolu w 1640. Druga praca pojawiła się pięć lat później. Wiele hiszpańskie i portugalskie prace zostały opublikowane we Włoszech w XVII wieku. To oznacza, że ​​większa popularność gitary w Włoszech doprowadziły hiszpańskiego i portugalskiego mistrzów czuć, że mogą realizować wyższe zyski, czy ich prace były drukowane we Włoszech, a nie w domu.

Guitar we Włoszech

Gitara było duże znaczenie w życiu muzycznym włoskiego w tej chwili. Duża liczba żyjących kompozytorów i gitarzystów okresie baroku we Włoszech i wielu zachowanych instrumentów z tego okresu tam niż w jakimkolwiek innym kraju, udowodnić, że kraj ten był centrum świata gitary

Najważniejszym czynnikiem, który doprowadził do popularności na gitarze we Włoszech i do wzbogacenia swojej literaturze było wprowadzenie z Hiszpanii z oskubane stylu gry na instrumencie. Z tego powodu, na gitarze we Włoszech zaczęto nazywać chitaria spagñuola. Oskubane styl gry na instrumencie w końcu zastąpił bicie akordów, które dominowały w XVI wieku włoski praktyki. Technika wyrywanie było z kolei pochodzi od techniki Vihuela że Hiszpanie przystosowanej do ich gitar. Kiedy Włosi przyjęła termin Chitarra spagñuola, wydają się stopniowo rozszerzyły swoje znaczenie, tak aby do końca XVII wieku stało się ogólne określenie. Oznaczenie “Spanish guitar” utrzymuje się do dnia dzisiejszego jako przedłużenie XVII użytkowania wieku.

Dwa zasadniczo różne techniki gry na gitarze (bicie i skubania) współistniały w XVII wieku we Włoszech. Technika wyrywanie została wyrażona w tabulatury notacji. Bicie akordów został wskazany specjalnym zapisie opracowanej przez XVI i XVII-wiecznych kompozytorów. Ten składał się z wykresu standardowych akordy, każdy identyfikowany przez literami.

XVII wieku włoskich kompozytorów były liczne, można wymieniono: Girolamo Montesardo których praca jest ilustracja muzyki gitarowej na początku XVII wieku. Benedetto Sanseverio składa kawałki w formie passacaglias, chaconnes, sarabandes.

Najsłynniejszy gitarzysta-kompozytor wieku był Francisco Corbetta (Corbetti). Corbetta podróżował po Włoszech jako gitarzysta koncertowej i zwiedziliśmy resztę Europy z wielkim sukcesem, jego podróże postawienia wielu dworach. Był wielkim Virtuose. Corbetta stosować różne rodzaje tabulatury aby zapisywać swoją muzykę. Formy jego kompozycje zróżnicowane – Toccatas, passacailles, Sinfonias itp., ale najważniejsze są jego apartamentów, które składało się z Almanda, Courrente i Sarabanda. Były to najwcześniejsze apartamenty w baroku i Corbetta pogrupowane swoje utwory i wskazał, że były do ​​rozegrania jako zestaw.

Giovanni Battista Granata był najbardziej płodnym z XVII-wiecznych mistrzów. Jego kompozycje zostały opublikowane w siedmiu tomach każdy znacznej wielkości. Utwory na gitarę solową m.in. preludia, Toccatas, correntes i innych, i były złożone.

Inne ważne włoskich kompozytorów: Domenico Pelligrini Ludovico Roncalli. Te kompozytorzy napisali w tabulatury systemów jak wcześniej w innych kompozytorów XVII wieku. Wiele oh te kompozytorzy podróżował po Europie, niosąc ze sobą gitarę i jego muzyka. Oprócz twórców i ich muzykę na gitarę, były prace naukowe napisane o instrumencie i jego wykonawców.

Mnóstwo włoskich XVII-wiecznych rękopisów i dzieł opublikowanych towarzyszą wielu ocalałych gitar znalezionych w muzeach na całym świecie. W przeciwieństwie do gitar z północy z ich raczej jednolite wzory i modele, włoskie gitary wyświetlany duży wybór ozdób. Charakterystyczny artyzm różnych producentów dał wzrosła do wielkiego znaczenia w trakcie XVII wieku.

Antonio Stradivariusa (1644-1737) z Cremony, najbardziej znany włoski lutnik z XVII wieku, jest najbardziej znany z niezrównanej skrzypiec, altówki i wiolonczele, ale był również znany zbudowali harfy, Szarycz i gitary (rys.9 -10). Dwa z jego gitar są nam znane.

XVIII w.

W XVII wieku, Włochy był niekwestionowanym centrum świata gitary i zachował tę pozycję lidera aż do wieku następnym. W tym czasie jednak wyzwanie zaczęły się od północy. Niemcy, gdzie gitara miała miarą popularności w 1600, stał się bardziej aktywny w tej dziedzinie muzycznej, a przed długo zgromadził imponującą liczbę gitarzystów i kompozytorów dla instrumentu, którego osiągnięcia rywalizowało tych z Włochami.

Gitara w Niemczech

Niemiecka muzyka barokowa osiągnęła kulminacyjny punkt z mistrzów, takich jak Johann Pachelbel (1653-1706), Vincentius Lubeki (1654-1740) i Johann Sebastian Bach (1685/50). Ten wieku nastąpił wielki renesans zainteresowania lutni. Bach sam, oprócz licznych cantates, namiętności, apartamenty orkiestrowe, koncerty i inne, w składzie na lutni.
To ożywienie wzbogacił literaturę na lutni i spowodował rozwój instrumentu, które w końcu doprowadziły do ​​wzrostu popularności na gitarze. Lutnia, coraz częściej, stały się złożonym instrumentem przybywających do punktu, w którym miał nie mniej niż 24 strun. Jak odpowiednio wymagane więcej umiejętności i szkolenia dla wydajności, jak i problemów związanych z techniką gry wzrosło, stało się coraz mniej dostępne. Ludzie, którzy sobie sprawę, że zwrócił się do gitary.

Coraz więcej gitarzystów została dopasowana przez coraz większą liczbę kompozytorów instrumentu. Liczba kompozytorów napisał na gitarę solo: Johann Arnold (1773-1806), Friedrich Baumbach (1753-1813) i Johann Christian Franz (1762-1814) to niektóre z nich. Ale najważniejszym aspektem niemieckiej muzyki gitarowej z XVIII wieku jest wykorzystanie tego instrumentu w różnych kombinacjach zespół kameralny, na przykład: gitara i flet, gitara, fagot, gitara, altówka i bas.

Ważne teoretyczne publikacje o gitarze Neu eröffneter theoretischer und Praktischer Music-Saal Joseph Friedrich Bernhardt Kaspar Majer, można wyróżnić, ponieważ zawiera najwcześniejsze znane odniesienie do sześciu strun gitary. Jego tuning, według Majera, był D-A-D-F #-A-D.
Księżna Amalia von Weimar przyniósł pięć gitarę z Włoch do Weimarze w 1788 roku. Instrument ten służył jako model dla niektórych wczesnych wysiłków słynnego gitarowego ekspres Jacob Augusta Otto (1760/29). Instrument prowadzący stał się bardzo popularny w południowych Niemczech. W ostatniej dekadzie XVIII wieku, Otto został zamówiony przez pewnego dyrygenta z Drezna (nazwany Naumann), aby dodać do swojego pięć strun gitary szóstego String – bass – zgodnie z praktyką włoską.
Gitara, zyskując popularność w Niemczech, przeniosła się do krajów, dalej na północ. W Danii, Peter Schall (1762-1820) wiolonczelista, skomponowane utwory i chóry z towarzyszeniem gitary.

Gitara w Belgii i Holandii

Belgia, powstało wiele znakomitych gitarzystów, wśród których był François Le Cocq, skrzypek z Brukseli Court Orchestra. Napisał wiele prac na gitarze tabulatury Francuska (Recueil de pièces de guitare). Później opublikował antologię muzyki gitarowej przez XVII-wiecznych mistrzów.

W Holandii, rodzina Cuypers renomowanych producentów był również instrumenty podejmowania gitary. Stali się kwitnące dom z przedstawicieli w Hadze i Amsterdamie.

Gitara w Europie Wschodniej

Zainteresowanie na gitarze w północnych krajach był równy jak w krajach wschodniej części, takich jak Czechy, Czechosłowacji i Rosji. Johann Baptist Wanhall (1739-1813), Czech, w składzie na zespół kameralny, które zawarte na gitarze.
W Czechosłowacji, tradycja gry na gitarze nadal potwierdzone przez kompozytorów takich jak Heinrich Dringeles i twórców gitarowych jak Jean Bourgard, który pracował w Pradze, produkcji, oprócz gitar, mandoliny, Basy, lutnie, gitary angielskich i “gitara mechanicznego “.
W późnym wieku XVIII, na gitarze zaczął się ulokować mocno w Rosji. Pionierzy w budynku gitarze rozpoczął swoją pracę w tym czasie. Jednym z nich był Ivan Andreyevitch Batov. Jego warsztaty były ustalenia w Ulm w 1780 roku. Od to ​​zakwitła różnych instrumentów muzycznych, w tym gitary, balalaikas, skrzypiec i wiolonczeli.

Guitar we Francji

Chociaż prawdą jest, że wielu gitarzystów dotychczas wymienionych byli członkami orkiestry dworskiej, to było we Francji, że gitara uzyskała status par excellence rozdzielczej dla szlachty. Tutaj tendencja do kojarzenia na gitarze z elegancją w dźwięku stała się szczególnie oznakowane i następnie swoje odzwierciedlenie w wielu pracach uroczych sztuki, które obraz instrumentu. Najbardziej znanym są obrazy Antoine Watteau (1684-1721), w którym młodzi ludzie spacerowali w zamiatanie duszpasterskie ustawienia i są pokazane gry na gitarze. Inni francuscy artyści, którzy z rysunku na gitarze był Jean Baptiste Pater i Ollivier.
French również wytwarzane dzieło na swoich gitar. Oni w dalszym ciągu rozwijać swoją sztukę według tych samych metod produkcji wykorzystywanych wcześniej i przedstawiciele XVI wieku instrumentu Voboam René (patrz rys. 8). Ciągłość świadczy wielu XVIII wieku instrumentów.
Przykład XVIII wieku gitara sześć string wykonany jest instrumentem Francisco Lupot, jest datowany 1773. Gitara Salomon jest kolejnym przykładem. Została zbudowana przez Salomona w Paryżu około 1760 (rys. 11).

Więcej niezwykła różnorodność gitara wydaje się, że zostały opracowane w tym czasie: na gitarze basowej. Instrument ten miał szereg dodatkowych ciągów off szyjki zamocowanej do oddzielnego pudełka strojenia. Gitara basowa, przez Gérarda J. Deleplanque, w 1782 roku, składa się z sześciu pojedynczych łańcuchów na szyi i czterech basowych strun poza szyi. Ten typ dziesięć strun gitary miał później stać się bardzo popularne w drugiej połowie XIX wieku, kiedy to stał się znany jako Chitarra decachorda. Przetrwał do początku XX wieku.

Rewolucja Francuska 1789 roku zmuszony do EXIL wielu dostojników, ale na szczęście nie doprowadziło do zapomnienia o instrumencie. Przeciwnie, w czasie nie wszedł do wyższego poziomu popularności w wyniku jej przyjęcia przez mas. Oczywiście, urządzenie ledwo osiągnęły stopień za to cieszył się przed i po rewolucji, bez wysiłków i osiągnięć muzyków-wykonawców i kompozytorów.

Wykonawców i kompozytorów XVIII wieku

Jednym z nich był Trille Labarre, wirtuozem gitary. Pisał muzykę na gitarę solo, na gitarę i skrzypce, gitarę i głos.
Innym był Antoine Marcel Lemoine (1763-1877) znany wirtuoz, który również grał na skrzypcach i składa.
B. Vidal wypełnia funkcje wykonawca, nauczyciel i kompozytor. Napisał Methode Nouvelle na gitarze.
Być może najbardziej wybitną postacią w historii gitary w XVIII-wiecznej Francji Charles Doisy. Grał zarówno pięć i sześć-string Gitary i napisał traktat, Principes Generalnych … dla obu instrumentów. Płodnym kompozytorem, opuścił około dwustu prac na gitarę solo, gitara i fortepian, gitarę i smyczki i gitary i instrumentów dętych.
Folia d’Espagna był bardzo popularny motyw znany w całej Europie. Doisy nie napisał mniej niż pięćdziesiąt wariacje na jej temat. Włosi Arcangelo Corelli i Alessandro Scarlatti napisał odmiany, też, na ten temat.

Rozwój wydarzeń odbywających się w różnych krajach Europy znalazły odzwierciedlenie raczej słabo w Hiszpanii. Liczba hiszpańskich gitarzystów, kompozytorów i producentów gitar był mniej fantastyczny w porównaniu do tego co było w poprzednim wieku, a to, co miało być w następnym stuleciu.

Prawdopodobnie dlatego, że w poprzednich wiekach gitara zostały przyćmione przez Vihuela, podejmowania szkoła hiszpańska gitara nie zaczęła się rozwijać, aż do końca XVIII wieku. W tym czasie, José i warsztaty stron Juana były aktywne 1790/19 w Kadyksie, centrum do budowy instrumentów muzycznych (rys. 12).
José Francisco Sanguino Benedykt które wywarły znaczący wpływ na rozwój współczesnej gitary.
Juan Matabosch, który pracował w Barcelonie, liczy się wśród najważniejszych twórców gitarowych w końcu XVIII wieku Hiszpanii. Pierwsza gitara Fernando Sor został zbudowany przez Matabosch.

Santiago de Murcia był jednym z najważniejszych gitarzystów XVIII wiecznej Hiszpanii i jeden z ostatnich zatrudnić tabulatury.
Fernando Ferandière cieszył wysoką pozycję jako gitarzysta w XVIII wieku i mówiono w superlatywach przez Dionisio Aguado. Ten niezwykły płodny kompozytor napisał dwieście trzydzieści pięć prac, które zostały opublikowane w 1785/99. Ferandière najważniejszy wkład, jednak jego Arte de tocar La Guitarra española por musica, metoda w nowoczesnej notacji dla sześcio-strunowa gitara, opublikowane w Madrycie w 1799 roku.

Pojawiając się niemal równocześnie z pracą przez Ferandière był inny sposób uprawniony Principios: pkt tocar La Guitarra de Órdenes Seis Don Frederico Moretti, kompozytor włoskiego pochodzenia. Sposób Moretti obraną podstawowych zasad nowoczesnej techniki gitarowej i stanowiły podstawę do dalszego rozwoju. Moretti był bardzo chwalony przez F. Sor i Aguado dla jego pracy i innowacji.

Miłość do Hiszpanów na gitarę została uwidoczniona przez częstotliwość jego występowania w pracach takich artystów jak Francisco Goya (1746/28). Bravissimo, jedna z rycin Goi, przyciąga uwagę zarówno jego wizerunek gitary i jego spojrzenia wstecz na tematy odwieczne.
Inne dzieła sztuki w Hiszpanii odzwierciedla zanik popularność gitary w kręgach arystokratycznych, a jego pojawienie jako instrumentu narodowej Hiszpanii.
Było kilka decydentów gitara w Portugalii w tym okresie. Spośród nich, tylko nazwiska José Pedeira Coelho i Miguel Ancho mają zejść do nas. Gitara Vieyra jest kolejnym gitara przez portugalskiego producenta (rys. 13).

Włochy, pomimo nieznacznego regresu w popularność gitary w XVIII wieku, zachował swoją pozycję jako centrum gitary Europy z racji swojego wkładu w rozwój instrumentu. Włosi kompozytorów napisał znaczną liczbę prac i jak gitarzystów i nawet twórców gitarowych, wiele podróżował, przynosząc ponieść w różnych innych krajach wpływem swoich osiągnięć.

Spośród wielu kompozytorów włoskich, którzy pisali na gitarze, najbardziej znanym był Luigi Boccherini (1746/05). Wiele podróżował, jak wielu jego rówieśników, występując jako wiolonczelista ze słynnym Manfredini skrzypek. Te dwa muzycy zostali zaproszeni do Madrytu, gdzie królewski brat Infante Don Luis, zaangażowanego Boccherini jako kompozytor i wykonawca. Później, Boccherini spełnione podobne funkcje do króla pruskiego. Po tym okresie, Boccherini nauczył się grać na gitarze i został zaproszony do pisania partie gitarowe. W 1799, Boccherini składzie Symphony Koncert na gitarę, skrzypce, obój, wiolonczela i kontrabas. Ale większość prac Boccherini w gitarowych są gromadzone w postaci rękopisu.

Te postępy dokonane we Włoszech w kierunku poprawy gitary miały wpływ na instrumencie przez innych częściach świata, w tym wieku sygnalizowane rozprzestrzenianie instrumentu w Nowym Świecie, szczególnie w Ameryce Południowej. Argentyna już powstało wiele gitarzystów. Wśród nich byli Manuel Macial i Antonio Guerrero, który stał się bardzo sławny.

Osiągnięcia włoskiego rzemieślniczych alone by zdobył dla swojego kraju trwałe miejsce w historii gitary. To dzięki ich inicjatywie, że istotne przesunięcie akcentów – z misternie dekoracyjne w stylu bardziej funkcjonalne i klasyczne – zostało dokonane w budowie gitary.

Six-string guitar

Zdecydowanie najważniejszym czynnikiem w rozwoju gitary było dodanie szóstego ciąg. To był bez wątpienia innowacyjność, która należy do XVIII wieku, podobnie jak pięć-strunowa gitara była produktem XVI. Włoski pochodzenie sześć string jest preferowany przez wiele argumentów:

1) włoski chitarra battente (rys. 6, 7) z późnym początku siedemnastego wieku XVIII miał Arrangment sześciu kursów dwóch ciągów każdy.
2) 1.732 publikacja J.F.B.K. Majer daje strojenie na sześć strun gitary.
3) pierwsze sześć-string guitar przez niemieckiego Ottona, został skonstruowany odpowiednio do włoskiej metody.

Dokładna data, do kiedy sześć podwójne struny zostały zastąpione przez sześć pojedynczych strun, nie jest znana. Ale to można bezpiecznie przyjąć, że sześć single-string arrangment sięga połowy XVIII wieku. Pod koniec wieku, gitara z sześciu pojedynczych strun cieniu wszystkie inne rodzaje.

Gitara sześć string stały się normą. Rozeta ustąpiła otwartym otworem, a szyja lenghtened i wyposażony w podniesione gryfie rozszerzającej należytego dziury. Dziewiętnaście stałe progi metalu ostatecznie stały się standardem. Most został podniesiony, body powiększony, a fan-dumnie wprowadził pod stołem wspierania szkolnictwa struny napinające. Tony wysokie łańcuchy były z jelit (zastąpione przez bardziej wytrzymałego nylonu po II wojnie światowej), struny basowe z rany metalu na jedwabiu (lub, ostatnio, nylon nici). Tabulatura stało się nieaktualne, muzyka gitarowa jest powszechnie napisany w klucz wiolinowy, brzmiący oktawę niżej niż zapisane. [Sparks, Paul, 1997]

Niezwykłe gitary

Wiek XVII to okres, w którym na gitarze przeszedł szereg zmian strukturalnych. Nowe i niezwykłe instrumenty były fashioned innowacje próbował, z których część trwała również w wieku XIX.
Pragnienie lepszego dźwięku przeniósł wielu lutników do eksperymentowania z różnych kształtach dla instrumentu. Ponadto, nie było w tym czasie wielka miłość do dziwności i nowość dla ich własnego dobra. Prawdopodobnie najbardziej spektakularne gitary opracowane w XVIII i XIX wieku były ściśle związane lira-gitara i harfa-gitara i harpolyre.

Harpolyre: (www.harpguitars.net)

Opatentowany przez Salomona w 1829 roku, był wyraźnie przeznaczony do odtwarzania, jak bardzo skomplikowany gitary adaptacji harfy z wieloma szyjkami. Middle 6-string szyi jest dostrojony dokładnie jak standardowy gitarze. Szyi po lewej stronie zawiera 7 bas “harp” struny, strojone chromatyczne od (oktawę niżej niż główny krzywizn 5-gie ciąg) do eb (przylegające do krzywizn niskiej E). Prawo szyi zawiera 8 TREBLE “harp” struny, strojone diatonically w tonacji C, począwszy od C dopasowania pierwszym progu z 2. ciąg na głównym szyi, do C oktawę wyżej. Zewnętrzna progi szyi są tam tylko w celu umożliwienia pełnego, dokładnego boisko chromatyczną Zmiana w “struny harfy” z capo.

Harfa-lutnie: (www.harpguitars.net)

Wszystko wydaje się, że zostały wykonane w 1798-1830 latach, na ogół w Londynie (Levien w Paryżu). Edward Światło było oryginalne i najbardziej płodnym wynalazcą (jego instrumenty budowane przez sklep z Barry), z konkurencją ze Clementi, Harley, Wheatstone’a, Ventura, wreszcie Levien w Paryżu.

Edward Światło było oryginalne i najbardziej płodnym wynalazcą (jego instrumenty budowane przez sklep z Barry), z konkurencją ze Clementi, Harley, Wheatstone’a, Ventura, wreszcie Levien w Paryżu
Fretted Guitars Harp. W rzadkich przypadkach, szczególnie harpolyre Salomona, istnieją instrumenty, które są wyraźnie przeznaczone do strojenia i grał jak harfa gitar, ale są wyposażone w pełny zestaw progów mocy wszystkich strunach. W tym przypadku, progi nie są przeznaczone dla lewego palców dłoni, ale jako seria “orzechów”, za którym capo (urządzenie, które zaciski strun do podstrunnicy) jest dołączony do zmienić wysokość całego banku strun harfy .

Gitara z rozszerzonym pudłem rezonansowym został zbudowany w Anglii. Rozszerzenie jest po prostu długi prostokątny występ z własnym otwór dźwięku. Było to prawdopodobnie, próbując polepszyć dźwięk instrumentu, zwiększając rezonans pudłem rezonansowym.

Wiele z tych innowacji zostały odrzucone tak szybko, jak zostały one udowodnione impratical, ale trzy odmiany zasadnicze gitarze znaleźć pewien stopień akceptacji.

Pierwsza była gitara basowa, która składała się z standardowej gitary z dodatkowych strun basowych numeracyjnych 05:58. Te zostały nawleczone albo poprzez szyi zakrzywione, aby pomieścić dodatkowy głowę strojenia poprzez dodanie drugiego szyję bez progów.
Pozostałe dwa typy Rampa gitary – terzguitar i quartguitar – są ściśle ze sobą powiązane. Pierwszy był mniejszy niż nowoczesnej gitary i został dostrojony niewielką trzecią wyższe: GCF-BB-DG. Ten ostatni był jeszcze mniejszy i został dostrojony czwartą wyższa niż nowoczesnej gitary: ADGCEA. Wielu kompozytorów, wśród nich Giuliani i Diabelli, napisał dla tych instrumentów. Gitara basowa, terzguitar i quartguitar nie przetrwać poza pierwszej ćwierci XX wieku.

XIX w.

Różne trendy podjęte przez gitara w poprzednich wiekach może, z perspektywy czasu, być postrzegane jako tak wielu dróg i kroczyli, które doprowadziły do ​​jednego miejsca – sześć single-string. Dopiero w XIX wieku, że urządzenie było osiągnąć szczyt swojego rozwoju. Przyjęcie sześciu strun gitary jednym się powszechne, rozprzestrzenia się nie tylko do każdej części Europy, ale na kontynencie amerykańskim, jak również.

Zmiany w warunkach społecznych spowodowanych przez rewolucji przemysłowej przyczyniły się do wzrostu wiedzy o instrumencie. Lepsze środki transportu włączony artystów koncertowych podróży szerzej niż dotychczas. Koleje były rozprzestrzenia na całym kontynencie, a wydłużone trasy koncertowe dał wielu gitarzystów, niespotykane dotąd możliwości wykonania przed dużą publicznością. To była era wielkich wirtuozów gitary, który na całym świecie koncertuje pomógł stanowić mocną podstawę dla instrumentu niezwykłą popularność w XX wieku.

W pierwszej połowie wieku, odnowiony entuzjazm dla tego instrumentu była skoncentrowana w Wiedniu. W tym czasie, Wiedeń stał się wielkim centrum przyciąga wielu muzyczny muzyków z całej Europy. Gitarzyści byli wśród tych, którzy przybyli, a ich liczne występy dał gitarze potrzebne impuls do ujęcia jako poważnego medium artystycznego wyrazu.

Prawdopodobnie pierwszy ważny gitarzysta osiedlić się w Wiedniu był Simon Molitor (1766/48). Liczne kompozycje Molitor to solówki i muzyki kameralnej z partiami gitarowymi. Wśród nich są tria na skrzypce lub flet, altówkę i gitarę. Takie oprzyrządowanie były integralną częścią bogatego wiedeńskiego życia muzycznego tego okresu.
Kolejny wykonawca, Leonhard von wywoławczy (1769-1815), pisał dużo muzyki na gitarę, która stała się popularna, i sposób na gitarze.

Mauro Giuliani

Mauro Giuliani (1781-1829), włoski, jest jedną z najważniejszych przedstawicielek gitarze i jego muzyka XIX wieku. Po dłuższym pobycie w Wiedniu, od 1807 roku miał wielki wpływ jako wykonawcy. Zainicjował on tendencję do rozległych tras koncertowych dla gitarzystów, szerząc akceptację gitary jako poważnego instrumentu w całej Europie. W Wiedniu, wpływ Mauro Giulianiego w życiu muzycznym była głęboka. Zainicjował koncerty gitarę i orkiestrę. Często wykonywane niektóre z najważniejszych postaci muzycznych swego czasu z powodu jego wybitnych osiągnięć technicznych i muzycznych.

Giulianiego współpracownicy zawarte Karl Seidler, Spohr, loder i Anton Diabelli. Choć Diabelli (1781-1858) był zarówno pianista i gitarzysta, ważniejsze było to, że był on wydawcą muzycznym. To właśnie w tej roli, że jego związek z Giulianiego okazały się szczególnie opłacalne. Wydał wiele kompozycji gitarowych, w tym tych z Giulianiego, a jego wysiłki promujące muzykę gitarową miały istotny wpływ na wzrost popularności tego instrumentu. Giulianiego córka Emilia był jednocześnie przypisuje się odkrycie harmonicznych na gitarze.

Franz Schubert (1797-1828) grał i pisał muzykę do gitary. Zbyt słabe, aby właścicielem fortepian, użył gitary podczas komponowania. Napisał wiele pięknych piosenek z akompaniamentem gitary, ale jego najbardziej istotny wkład do literatury gitary, jednak był Kwartet na flet, gitarę, altówkę i wiolonczelę.

Wiele innych włoskich gitarzystów następnie przykład Giulianiego by koncertować i publikowanie ich muzyki w Wiedniu. Jednym z najważniejszych był Luigi Legnani (1790/77). On rozwinął techniki i wirtuozerii, że w końcu się prześcignąć Giulianiego.
Odsetki Legnani za obejmował budowę gitary. Wiele z jego sugestie doprowadziły do ​​cennych usprawnień w instrumencie. Jako kompozytor był płodnym. Jego prace ponumerowane do opus 250 i zawierał koncert, duety, tria, zmiany, Trzydzieści sześć Cappricios i scherza.

Matteo Bavilaqua inny zauważył włoski gitarzysta, opublikował kilka prac w tym solówek oraz kompozycji na gitarę i fortepian, gitara i flet, itp.

Z gitarzystów Czech, Wenzeslaus Matiegka (1773-1830) był najważniejszy. Jego muzyka na gitarę zarówno solo i zespół kameralny obejmuje ponad trzydzieści kompozycji.

Wśród niemieckich gitarzystów był Leonhard Schulz, który był graczem dużej postury.

Fernando Sor

Czołowi zwolennicy “ekspresjonistyczny” szkoły byli Hiszpanie Sor i Aguado i Włosi Carulli, Carcassi i Giuliani. Wybitna postać w grupie, Fernando Sor, był największym gitarzystą romantycznej epoki. Syn kupca Katalonii, on urodził się w Barcelonie w 1778 roku i otrzymał edukację muzyczną w szkole chóralnej pobliskiego klasztoru Montserrat.
W wieku osiemnastu lat, Sor napisał operę, Telemach na wyspie Kalipso, który został wyprodukowany w Barcelonie w 1797 roku.
Sor został powołany do wojska w niejasnym okresie okupacji francuskiej. Gdy Francuzi wycofali, pokonany przez Wellington i hiszpańskich wojsk partyzanckich, Sor nie miał wyboru, aby zostawić z nimi. Po 1812 roku mieszkał w Paryżu w przeważającej części, gdzie gived koncerty urocze wszystkich paryżan.
Debiutował w 1815 roku w Londynie, gdzie był pierwszy i jedyny gitarzysta zaprosił do wykonania z London Philharmonic Society. W 1817 roku pojawił się jako solista w swoim Koncert na hiszpańską gitarę i smyczki. Podczas 1820-tych wyjechał do Niemiec, a następnie do Rosji. Wyprodukował trzy jego baletów w Moskwie. Po śmierci cara Aleksandra I w 1825, Sor składa marsz żałobny na wniosek nowego cara Mikołaja I. Po powrocie do Francji, pracował niestrudzenie jako nauczyciel i kompozytor.

Jego kompozycje wynosić więcej niż 250 lub 300 utworów, począwszy od utworów salonowych do kompletnych oper. Jego najbardziej znane główne wyniki były balety – Cendrillon i Gil Blas. Dzięki jego instynkty taneczne, był w swoich najlepszych walców składających, pokoii, galops, bolerka, i tak dalej. Dla francuskiej encyklopedii napisał pierwszy autorytatywnego badania takich hiszpańskich tańców jak bolero, seguidilla, murciana i Sevillana. W duchu bardziej klasycznego pisał sonaty, fantazje i zestawy wariacji na tematy Mozarta, Hummla i Paisiello.

Ale ukoronowaniem SOR jest jego Méthode pour la guitare of 1830 – łatwo najbardziej niezwykłe książki o technice gitarowej, jakie kiedykolwiek napisano. Stanowi owoc czterdziestu lat doświadczenia.

Kwestionowane przez zmiany w technice gitarowej i wymaganiami dla instrumentów drobniejsze, coraz więcej Luthiers starał się nadążyć za zmieniającymi się wymaganiami i do produkcji instrumentów, które spełniają ich.
Johann Georg Staufer (1778-1853) był wybitnym ekspres gitara z siedzibą w Wiedniu. Oprócz dopisania z wynalezieniem guitarre d’amour, on również zyskał reputację pięknych gitar.

Johann Gottfried Scherzer (1843-1870) objął warsztatu Staufer. Eksperymentowanie w znacznym stopniu do poprawy dźwięku gitary i wykorzystanie jego kontaktów z fizyków, aby osiągnąć swój cel, stał się jednym z pierwszych producentów gitar, aby podeszli do swojej pracy naukowej, w wyniku produkcji gitar drobnych koncertowych jakości.

Rosyjski wykonawcy

Wynalazek siedem-strunowa gitara rosyjskiej został attibuted do Andreas O. Sichra (1772/61). Jego siedemdziesięciu pięciu utworów na siedem-strunowa gitara stała się zalążkiem bogatej literatury na ten instrument. Pisał doskonały sposób na gitarze.
Metody Sichra nauczania i zasady produkowane wielu znakomitych gitarzystów rosyjskich: Simeon N. Aksenow (1773-1853), który jest wśród tych, przypisuje się rozwój wykorzystania harmonicznych; WI Swinzow, który był jednym z pierwszych siedmiu strun wirtuozów wykonywać w dużej publiczności audytorium.

Prymat siedmiu strun gitary w Rosji bynajmniej nie wykluczył sześciu typu String z kraju życiu muzycznym. Marcus D. Sokołowski (1818-1883) był jednym z tych, którzy opanowali sześć string po jego uruchomieniu swoją muzyczną karierę jako skrzypek i wiolonczelista.

Jeden z najlepszych muzyków rosyjskich przyczyniła się do historii gitary. Nicolas P. Makarow (1810-1890) spisał swoje osobiste wrażenia z osobowości i zdolności muzycznych z wielu gitarzystów znanych mu było usłyszeć w całej Europie. W 1856 roku zorganizował w Brukseli konkurs na najlepszą kompozycję na gitarze i najlepszą gitarę wykonane. Pierwsze i drugie nagrody dla kompozycji były wygrane przez Napoleona Coste i Johann Mertz odpowiednio. Pierwsza nagroda dla najlepszego gitary roboty poszedł Johann Scherzer Wiednia, drugą nagrodę Iwana F. Archusen Rosji.

W roku 1823, obchodzony Fench baletnicy Madame Hullin Sor, żona Fernando Sor, przybył do Moskwy, aby wykonać kilka baletów do muzyki napisanej przez jej męża. Sor odwiedził Rosji siebie i, w pamięci jego rosyjskiego wizyty skomponował duet gitarowy zatytułowane Souvenir de Russie.

Włoski Maestro

Biegłości i doskonałości włoskich gitarzystów były takie, że ich wpływ był odczuwalny nie tylko w całej Europie i obu Amerykach, jak również.

Fernando Carulli urodził się w Neapolu w 1770 roku i zmarł w Paryżu w 1841 roku. Na pierwszy wiolonczelista, później poświęcił się wyłącznie do gitary i stał się jednym z najwybitniejszych wirtuozów Włoch na tym instrumencie. W Paryżu, wyrobił sobie grając recitale salon, pisząc swoje trzysta sześćdziesiąt kompozycje i sposób, który jest nadal dostępny. Opracował gitarę z czterech dodatkowych strun basowych (decacorde). Jego recitale pomogło Paris fantastyczny centrum działalności gitary.

Jego następca Matteo Carcassi (1792-1853) rozszerzył techniki Carulli za kompletną metodę gitarze, która stała się najbardziej powszechnie stosowane badania przypomnienie XIX wieku. Carcassi przybył do Paryża z motywów odnoszących sukcesy w Niemczech, Włoszech i Anglii za nim. Był wielkim Virtuose i, z czasem, jego sposób gry otrzymuje Carulli-tych popularność.

Niccolò Paganini (1782-1840) jest najlepiej pamiętany jako wirtuoza skrzypiec, ale był zbyt fantastyczny wirtuozem gitary. Pisał prawie tak dużo muzyki na gitarę jak na skrzypce: praktycznie wszystko, co opublikował za życia zawiera co najmniej jeden na gitarze część. Liczba jego kompozycji składa się sto czterdzieści małe kawałki indywidualnie, ilość sonat na skrzypce i gitarę, kwartety na skrzypce, altówkę, wiolonczelę i gitarę, tria na gitarę i dwa pochylone sznurki. Odsetki Paganiniego w gitarze przyniósł mu w kontakcie z wielu najważniejszych postaci świata gitary, wśród których byli Zani de Ferranti i Legnani.

Zani de Ferranti (1800-1878) został opisany jako jeden z największych wirtuozów gitary czasu. Hector Berlioz skieruję do niego w jego traktacie o obsadzie. Zani de Ferranti wyjazd szerzej niż większość wykonawców dnia. Udał się w końcu do Ameryki i miał rozróżnienie jest jednym z pierwszych wirtuozów gitary do uznanej Tour w Stanach Zjednoczonych. Przyczynił się kilka kompozycji solowych do repertuaru. Te prace to fantazje, nokturnów i różne inne kawałki.

W o tych samych latach, pojawiła się znacząca postać w osobie Napoleona Coste (1806/83). Utworzenie się w Paryżu w 1830 roku, gdzie związane z ważnymi gitarzystów jak Aguado, Sor, Carcassi i Carulli pełnił do 1863 roku, gdy wypadek niezdolności prawą rękę. Jego muzyczna liczba kompozycje o pięćdziesiąt i był jednym z pierwszych gitarzystów próba transkrypcji muzyki XVII wieku w nowoczesnej notacji. Rzeczywiście, jego najważniejszy wkład polegał na impuls on gaved do odrodzenia zainteresowania barokowej muzyki gitarowej.

Intensywna działalność w zakresie świadczenia usług została wsparta wysiłków producentów przyrządów do produkcji nie tylko więcej, ale lepiej gitary. Wśród wielu twórców ważnych gitarowych czasu, kilka z najlepszych były członek rodziny Fabricatore. Gennaro Fabricatore pracował w pierwszej połowie XIX wieku, a jego styl doprowadził krok do nowoczesnej formie thast gitara miała być opracowana jeszcze w tym wieku. W Paryżu, lutnik René François Lacôte becamed jednego z najwybitniejszych twórców gitarowych stulecia.

Podczas gdy większość Szczególny aspekt XIX wieku było bardzo wiele podróży wirtuozów, użycie gitary w muzyce kameralnej również stał się bardziej widoczne w tym czasie. Wśród kompozytorów, którzy produkowali takie utwory były Johann Bayer, Joseph Küffner, Johann Kapeller i Johann Kaspar Mertz (1806/56). Mertz używane ośmiu gitarę, a później dziesięć typu string.

Gdziekolwiek gitara stała się popularna, to przyciąga uwagę wybitnych kompozytorów, którzy następnie składają na nim. Von Weber (1786-1826) składa się na to. Richard Wagner (1813-1883) znany był okazały często do niego jako pomoc przy tworzeniu, napisał dodatkami gitary.

Być może najistotniejsze rozwój w XIX wieku był jednym z który można nazwać renesans gitary w Anglii. Wcześnie w ewolucji gitary, kraj ten odegrał rolę, jeden, jednak, co nie utrzymać. Gdy Londyn stał się w XIX wieku, centrum muzyczny, równie ważne w Paryżu, Wiedniu i Sankt-Petersburga, to przyciąga dużą liczbę gitarzystów, którzy przybyli do wykonywania i dał angielską szeroką ekspozycję do muzyki gitarowej, a tym samym ożywienia i intensyfikacji zainteresowanie ludzi tym instrumencie. Zgodnie z przewidywaniami, Luthiers kwitła w Anglii w tym czasie.

Gitarzyści Hiszpanii

Hiszpania wyprodukowała wielu wybitnych wirtuozów w tej chwili i to jest niepodważalne, że muzyka gitarowa rozkwit w XIX wieku Hiszpanii. Jednak hiszpański wirtuozi gitary i hiszpańskie propagatorzy instrumentu osiągnąć swój wielki sukces poza ich ojczystym kraju. Fernando Sor przykładem tych gitarzystów emigracji.

Dionisio Aguado (1784-1849) był ważnym wirtuoz i kompozytor. Był ważnym pedagog i jego Metodo para Guitarra jest nadal uważana za jedną z najlepszych metod zapisanych w XIX wieku. Został on przetłumaczony na inne langages i przedrukowany kilka razy. Zainicjował użycia stojaka do obsługi urządzenia podczas odtwarzania go w pozycji siedzącej.

Julian Arcas (1832-1882) był inny hiszpański wirtuoz gitary. Po przejechaniu Hiszpanii, wyjechał do Anglii i występował w Pawilonie w Brighton przed członkami rodziny królewskiej. Jego gra była bardzo chwalona. Wrócił do Hiszpanii, nadal concertize i został profesorem Konserwatorium Królewskiego. Nie mniej niż osiemdziesiąt jego kompozycji zostały opublikowane.

Francisco Tarrega

Prawdopodobnie najważniejszym wkładem do pedagogiki i techniki gitarowej z Hiszpanii jest zawarte w dziełach Francisco Tarrega (1852/09). Wśród nich swoje kompozycje, które zalicza się do najlepszych w końcu XIX wieku.

Tarrega otrzymał swoją pierwszą gitarę instrukcji, w wieku ośmiu lat. Następnie studia w Konserwatorium Muzycznym w Madrycie, gdzie później wykładał na gitarze. Wykładał także w Konserwatorium w Barcelonie i wykonane ponad 100 transkrypcje dzieł Bacha, Haendla, Mozarta i Schuberta. Ponadto napisał wiele kompozycji własnej: Preludia, studia, walce, które wykazują zwiększoną złożoność harmonii i techniki, jakie umożliwiają jego nowe podejście do gry na gitarze.
To nowe podejście zaangażowane istotną zmianę: gospodarstwa z prawej strony prostopadle do strun, zamiast trzymać jest ukośnie do nich.

Technika TARREGA jest bardziej wygodne stosowanie tak zwanego “udar obsługiwanego” lub “uderzenia młotka”. W każdym razie, TARREGA dokonań były konkretne i znaczące pomoc w kierunku formułowania nowoczesnej techniki gitarowej. Pomogli ożywienia popularność gitary, która spadła w latach poprzednich. Nagle pojawiła się nowa generacja kompozytorów, którzy mogli zinterpretować Hiszpanii na świat we własnym idiomu: Isaac Albeniz (1860-1909), Enrique Granados (1967-1916) i Manuel de Falla (1876/46). Wszystkie z nich podziwiać na gitarze jako miłośników, ale tylko Albéniz dorastał grając na gitarze oraz fortepianie. Albéniz udał się na jednym z wielkich pianistów wieku, ale pisał na klawiaturze tak, że to było na gitarze. Wiele z jego prac są nadzwyczaj dobrze nadaje się do gitary transkrypcji.

Po śmierci TARREGA jest w 1909, jego praca była prowadzona przez kręgu uzdolnionych uczniów, w tym Emilio Pujol, Miguel Llobet, Daniel Fortea i Alberto Obregon.

Lutnik Antonio Torres

Paralleling TARREGA za osiągnięcia były zmiany w budowie gitary. Podobnie jak jego podejście do gry na gitarze podwaliny dla bardziej zaawansowanych praktyk, więc dzieło słynnego gitarowego ekspres Antonio Torres Jurado (1817-1892) doprowadziły bezpośrednio do podstawowej postaci gitary, w którym jest obecnie znany (rys. 14 ). Położył duży nacisk na znaczenie górnej płyty rezonansowej w produkcji dźwięku, a on do perfekcji i był przy użyciu wentylatora orzeźwiający pod płyty rezonansowej do wzbogacenia brzmienia. Rozwinął fanem orzeźwiający pod górę i sprawiły, że średnia. Jednakże Strony (budowniczy Sor i Aguado zalecane) używał fanbracing od 1790-tych. Panormo używany wentylator orzeźwiający w stylu hiszpańskim od 1820-tych. Używał długość ciągu do 65 cm, środek nadal w użyciu, ale gitary w 1800/10 było 650 skala też. On się do 650, ale Stauffer robił 647, Lacote wykonane jakieś 650, itp. – w zależności od wielkości okna odtwarzacza ręce! To jest “standard”, bo wszyscy, co Torres kopie zrobił. On znormalizowany wzór związany most prawie identycznym jak znaleźć na wszystkich klasycznych gitar, ale dzisiaj most tie pochodzi z gitarami barokowych, a to standard na wszystkich hiszpańskich gitar w trakcie całego 19 wieku.

Innowacje Torres przyczyniła się do powstania prawdziwej szkoły hiszpańskiej tworzenia gitarowego którego członkostwo ostatecznie włączone najważniejsze lutników z przełomu XIX i XX wieku. Jednym z nich była rodzina Ramirez.

Inne budowniczych
Fernando Sor wymienia kilka budowniczych w jego “metoda Guitar” tłumaczenie hiszpańskiego, angielskiego 1836, opublikowanym przez Editions Tecla:

“Pan J. Panormo dokonała kilku gitar pod moim kierunkiem, jak również pana Schroedera w Petersburga …. W dobroci ciała lub pudełku, neapolitański gitary w ogóle dawno przekroczyła, moim zdaniem, tych z Francji i Niemcy, ale to nie jest tak, w chwili obecnej, a jeśli chcę instrument, chciałbym nabyć go z M. Joseph Martinez Malaga, lub M. Lacote, ekspres francuski, tylko osoba, która oprócz swoich talentów, ma udowodnił mi, że posiada jakość nie jest nieelastyczny do rozumowania … Gitary, które zawsze podane preferencje są te Alonzo Madrytu, stron i Benediz Kadyksu, Józefa i Manuel Martinez Malaga lub Najwyższej, następcy i uczony z nią, i tych, M. Lacote Paryża, ja nie mówię, że inni nie istnieją;., ale nigdy nie próbowałem ich, nie mogę zdecydować się na to, o czym ja nie mam wiedzy “.

W 19 wieku, prawie każdy budowniczy wykonane na gitarze inny kształt, rozmiar i styl. Torres odebrał połączenie istniejących projektów dla jego gitary – na podstawie wymagań podanych mu przez Julian Arcas. Tarrega lubi dźwięk gitary Torres jego nauczyciel ARCAS ‘też – znacznie mniejszy, słodsze brzmiącą gitarę niż nowoczesne klasyczne już dziś.


Rosnąca popularność gitary na kontynencie amerykańskim

Guitar był znany w Nowym Świecie już w XVI wieku, kiedy hiszpańscy kolonizatorzy sprzedawane vihuelas do Aztec Indian. Przyjście artystów hiszpańskich i portugalskich niewątpliwie zrobił wiele, aby zachęcić popularność tego instrumentu, w Ameryce Południowej szczególnie, ich działania doprowadziły nie tylko do promocji gitary, lecz również jego okopów w muzyce ludowej wielu krajów.
Wydarzenia te doprowadziły do ​​coraz większej liczby znanych gitarzystów i producentów gitar w Ameryce Południowej i Ameryce Północnej.

Rosnąca popularność gitary stworzył większe zapotrzebowanie na instrumentach. Później w 19 wieku, zwiększony popyt spotkał obsługa maszyn i metod fabrycznych oprócz tradycyjnego rzemiosła.

Do pewnego stopnia, wydarzenia z XIX wieku – zmiany w dokumencie, tym większe szanse dla wykonawców podróżować, szersza dystrybucja instrumentu – można uznać za naturalne i przewidywalne części procesu ewolucyjnego. Wiek starej praktyki wytwarzania instrumentów całkowicie ręcznie został zastąpiony po raz pierwszy przez maszyny zdolnej do produkcji masowej.
Wiele z tych zmian z wydarzeń, które miały odbyć się w XX wieku.

Twentieth Century

Nasze stulecie było i nadal jest świadkiem bezprecedensowym wzrostem akceptacji gitary jako instrumentu poważne wypowiedzi artystycznej. W żadnym innym momencie w historii gitary było tak mile widziane w scenie koncertowej.

Istnieją dwa podstawowe powody, dla ogromnej popularności na gitarze już dziś. Pierwszy i bardziej oczywiste jest zakorzeniony w zjawiskach, które należą wyłącznie do XX wieku. Rewolucyjny postęp technologiczny i rozwój masowego przekazu i szybsze, bardziej efektywne środki transportu są jej bardziej znaczących aspektów. Radio, telewizja, przemysł muzyczny, łączność satelity, jet turystyczna et al przyczyniły się do szybkiego globalnej ekspozycji instrumentu. Muzycy są teraz w stanie concertize na całym świecie w ciągu jednego koncertu sezonu. Są one w stanie osiągnąć ogromne widzów – nie tylko tych, w rzeczywistości występuje w spektaklu, ale tych, którzy postrzegają telewizję, słuchać audycji i gramofony nagrań, i miliony tych, którzy korzystają z sieci z komputerami. Coraz więcej ludzi, więc wciągnąć w krąg uczestników, czy jako kompozytorów, wykonawców i słuchaczy, więcej możliwości są tworzone w celu wzbudzić zainteresowanie gitarą.

Drugim powodem, choć mniej dramatyczna, nie jest mniej istotne. Jest to rozszerzenie, naturalną konsekwencją wydarzeń, które miały miejsce w ostatnich wiekach.
Należy przypomnieć, że pod koniec XIX wieku, technika gitara została wniesiona przez Tarrega do punktu, w którym to było naprawdę sztuką, gotowy do następnego kroku w to, co znamy jako nowoczesnej techniki. Wielcy producenci gitara, szczególnie Torres, rozwinął instrument, który z niewielkimi zmianami, zachowuje do dziś Klasyczna forma gitarze. Te istotne zdarzenia po prostu miał doprowadzić do pełnej realizacji potencjału gitary XX wieku.

Tarrega miał wielu wybitnych uczniów, ale zdecydowanie najważniejszy był Miguel Llobet (1878/37). Llobet koncertował w całej Hiszpanii. Pojawił się w Paryżu, Anglii, Stanach Zjednoczonych, Ameryce Południowej, Berlinie, Wiedniu, w krótkich, prawie wszystkich miastach ważnych w świecie zachodnim. Llobet został uznany mistrzem i wirtuozem Najwyższego z gitarą.

Uczył znaczną liczbę wybitnych obecnych gitarzystów dni. Spośród nich, Maria Luisa Anido (1907 -) i José Rey de la Torre z Kuby.

Olbrzym z XX wieku jest Andres Segovia (1893-1987) bliski przyjaciel Miguel Llobet. Segovia czuli się zmuszeni nauczyć sobie na gitarze. Technika w końcu opracowana była poprawa na TARREGA i jeden z jej najważniejszych aspektów w precyzji we wszystkich sprawach w szczególności w odniesieniu do prawej strony. Co roku, od ponad pół wieku, on koncertował na całym świecie i ma na swoim koncie niezliczoną radia i widowisk telewizyjnych. Nagrał pratically cały swój repertuar.

Zaangażowanie w Segowii z gitarą wyszedł poza wydajność.

On inspiruje współczesnych kompozytorów do pisania na instrumencie. Mario Castelnuovo-Tedesco skomponował pierwszy koncert gitarowy w XX wieku (1939).

Również za namową Segowii, Manuel Ponce Meksyku, Joaquim Rodrigo Hiszpanii i Aleksander Tansman Polski napisane na gitarę.

Segovia jest bezpośrednio uczy pokolenia gitarzystów. Alirio Diaz był znakomity uczeń Segovia i stała się jednym z wiodących na świecie podmiotów będących szczególnie udana w interpretacji muzyki latynoamerykańskiej.
Segovia kolega Hiszpan Narciso Yepes (1927-1997) był kolejnym zawodnikiem, z nienaganną techniką. On dał swój pierwszy publiczny koncert w wieku lat dwudziestu i stał zawodnik o międzynarodowej renomie.

Gracze o znaczeniu międzynarodowym mają pochodzić z innych krajów też jako Karl Scheit, Konrad Ragossnig.

Interesy dwóch angielskich graczy, Julian Bream (1933 -) i John Williams (1941 -) są wideranging niż w Segowii i jego uczniów innych.

Julian Bream

Julian Bream nauczyć słuchania radia i oglądania innych graczy. Jego formalne szkolenie w Royal College of Music był fortepian, wiolonczelę i składu. Pierwszy koncert London leszcz odbyło się w Wigmore Hall w 1951 roku. Od tamtej pory prowadził życie muzyk zajęty i udana, dzieląc swój czas między jego kraju, w studio nagrań i sala koncertowa. Jego gusta muzyczne są zróżnicowane i jego sława jako lutni jest tak wielki jak jego reputację jako gitarzysta. Jego repertuar na gitarze w zakresie od Bach Chaconne do dzieł współczesnych kompozytorów. On zrobił bardzo wiele w kierunku propagowania muzyki współczesnej na gitarze.

John Williams

Urodził się w Australii w 1941 roku, John Williams rozpoczął naukę na gitarze od swojego ojca, założyciela Centrum hiszpańskiej gitary w Londynie. W 1952 roku został wprowadzony do Segowii, który przyjął go na ucznia. Za radą Segowii wstąpił do Academia Musicale Chigiana w Sienie. Powrót w Anglii, studiował grę na fortepianie i teorii muzyki 1956/59. Jego debiut London w Wigmore Hall odbyła się w 1958 roku i nie będzie długo przed jego nazwisko staje się synonimem w Anglii i za granicą.
Dzisiaj, John Williams jest jednym z najbardziej doświadczonych graczy na gitarze klasycznej z wybitnym techniki płynnego. Jego repertuar zmienia się od transkrypcji muzyki dawnej lutni do dzieł South kompozytorów amerykańskich i współczesnych. Jego muzyka podjęła nieklasycznych kolej. On odważył się Muzyki Jazzowej grając utwory Bacha, Scarlattiego, Villa-Lobos i Albéniz oraz na gitarze elektrycznej i pól pop.

Playing Duo został spopularyzowany przez zespół Alexandre Lagoya i Ida Presti, od tego czasu liczba duetów wzrosła, a wraz z nią ilość muzyki napisany dla nich.

Eliot Fisk

Pochodzący z Filadelfii, Eliot Fisk zdobył MMA Stopień z Uniwersytetu Yale, gdzie studiował z klawesynistką Ralph Kirkpatrick. Natychmiast po ukończeniu studiów, został poproszony o znalezionych Departament gitarze na Yale School of Music. W 1974 roku został wprowadzony do swojego idola, Andres Segovia, który trenował go prywatnie od kilku lat. Oprócz karierze muzyka, Eliot Fisk ma głębokie przywiązanie do nauczania. Jest profesorem gitary w Mozarteum w Salzburgu w Austrii, gdzie jest klasa obejmuje utalentowanych młodych gitarzystów z kilkunastu krajów. Mr Fisk prowadzi również liczne kursy mistrzowskie i rezydencji na całym świecie. Urodził ryzykantem i niespokojny, widly wyobraźnią wirtuoz, Eliot Fisk przyniosła zupełnie nowy wymiar wydajności klasycznej gitary. On stworzył również obszerne gitarowej muzyki przez komisje kompozytorów współczesnych, jak i jego własne transkrypcje dzieł Bacha, D. Scarlattiego, Haydna, Mozarta, Mendelssohna, Granados Albeniza i innych. Bardzo widoczne recitalami i jako solista z orkiestrami, wykonuje się często w różnych kombinacjach kameralnych, jak również.

Dalsze zmiany w budowie gitary

Monumentalne osiągnięć hiszpańskiej szkoły są utrwalone w gitary Santos, Hernandez i José Ramirez de Calaretta. Wybitny niemiecki lutnik XX wieku był Hermann Hauser, którego porządku instrumenty są wykorzystywane przez wielu współczesnych gitarzystów koncertowych.

Tradycje przeszłości w budowie gitary były przestrzegane i zmieniane w interesie lepszych instrumentów. Technologia i innowacje są odpowiedzialne za przyjęcie nylonowymi strunami o zastąpieniu starych wykonane z jelit. To szczególnie zrewolucjonizował grę na gitarze. Ponieważ nowe łańcuchy są znacznie silniejsze. wymagają tak częstego strojenia i produkować lepszy dźwięk, są bardziej praktyczne i bardziej pożądane.

Obecnie umiędzynarodowienie gitary jest kompletny. Przyrząd jest taugh całym świecie. Po II wojnie światowej, gitara stała się niezwykle popularna w Japonii i kraj wyprodukował wielką liczbę gitarzystów, nauczycieli i twórców gitarowych.
Prawie wszędzie magazyny zajmujące się gitary są publikowane i dostępne.
Międzynarodowe czasopisma na gitarze teraz istnieją i drukuje artykuły na temat działalności gitarowych na całym świecie: Classical Guitar Magazine, opublikowane w Anglii, a weryfikacja Gitara, opublikowane w Nowym Jorku, ma światowy obieg i są również publikowane w Internecie.
Społeczeństwa gitarowe wzrosła wszędzie.

Rosnące towarzystw, stowarzyszeń i organizacji zajmujących się jakiś aspekt lub innej działalności gitarowych ponosi dodatkowo świadectwo powszechnego zainteresowania instrumentem. Organizacje te przedstawiają młodych gitarzystów w motywach, zachęcać studiów, poświęcają się bardzo różnych celów, mających do czynienia z propagowaniem spraw istotnych dla gitary. Liczba motywów gitarowych rozmnożyły się jak konkursów organizowanych na szczeblu krajowym i międzynarodowym.

LITERATURA

Grunfeld, Frederic V.: “Art and Times of Guitar”, Collier Macmillan Publishers, London 1969.

Sparks, Paul: “wydajność Gitara w XIX i XX wieku”, performance Practice weryfikacja Vol.10 No.1, 1997,: 71-79.

Tyler James: “gitara i jego wydajność od XV do XVIII wieku”, Performance Practice weryfikacja Vol.10 No.1, 1997,: 61-70.

Bacon, Tony and Day, Paul: “The Ultimate Book Guitar”, Dorling Kindersley Limited, London 1991.

“Co to jest Guitar Harp: http://www.harpguitars.net/history/org/hgorg.htm

“Organology: HarpGuitar” Krewni “http://www.harpguitars.net/history/org/org-fretted_hgs.htm

“Guitar Foundation of America: http://www.guitarfoundation.org/

Comments are closed